Yoko Ono y Sophie Calle

El arte conceptual es rico en manifestaciones expresivas donde la reflexión y el análisis encuentran cabida, no ya desde la perspectiva del análisis plástico formal sino desde la idea como condensadora y catalizadora de la materialidad, donde la percepción objetual tangible no es un requisito predominante, en el cual se conjugan la subjetividad en mayor medida y la desintegración de los prejuicios.

Tomando en cuenta lo expuesto anteriormente, trataremos de abordar la obra de Sophie Calle y Yoko Ono a la luz del humanismo, por considerar que sus obras presentan ciertas características que se enmarcan dentro de este concepto. Henri Van Lier nos expresa en el texto Humanismo y arte contemporáneo la disimilitud entre el artista de nuestro tiempo y el artista "clásico":

"La nuestra es una vieja cultura y la característica de las culturas declinantes consiste en que el hombre se entrega a reflexionar, no sólo en lo que hace, sino también sobre lo que hace, sobre el acto de hacerlo. El hombre clásico está íntegramente vuelto hacia sus obras: como acaba de descubrir nuevos valores, es comprensible que se apasione por sus tareas. Por el contrario, los valores de que vivimos nosotros están gastados, hemos comenzado hace tiempo a dudar de ellos, y por lo tanto, nos interrogamos sobre el sentido de nuestra acción, de toda acción (…) la introspección, la interrogación perpetua sobre la oportunidad y el sentido de la acción, han llegado a ser para nosotros como una segunda naturaleza."

Sophie Calle y Yoko Ono son de las máximas representantes del arte conceptual de nuestro tiempo encontrándose en el contexto de la posmodernidad. Su obra es rica en significados y significantes sugiriendo al espectador la intertextualidad de una obra artística de este género. En ellas, las incógnitas están dirigidas hacia el mundo exterior desde un profundo trabajo introspectivo que se convierte en extroversión al invertir papeles en la vida cotidiana de otras personas y mostrando algunos rituales o costumbres de su propia vida.

Ambas artistas ponen en evidencia el pathos como elemento de lo cotidiano, incuestionable en el seguimiento a otras personas. A pesar de tratar de mantener un "contacto distante y neutral" en el caso de Calle, llega en ocasiones a imbricarse al objeto observado, analiza y hasta utiliza el resultado de sus análisis para fines comparativos cotejándolos con su propia experiencia.

Otra característica del humanismo contemporáneo es la flexibilidad y según Burckhardt "el humanismo significa el descubrimiento del hombre en cuanto hombre y, consiguientemente, la reafirmación de todo lo humano, tanto en el sentido del individualismo como en el sentido de la "humanidad". Como ejemplo de ello en la obra de esta artista puede mencionarse Les Dourmeurs de Calle, de 1979 donde señala lo siguiente:

"Lo que me gustaba era tener en mi cama gente que no conocía, de la calle, que no sabía lo que hacían, pero que a mi me daban su parte más íntima, (...) ver como dormían ocho horas por la noche, como se movían, si hablaban, sonreían. Esta gente no sabía quién era ni qué hacía (...) Venir a dormir a mi lecho. Dejarse fotografiar. Responder a algunas preguntas. Mi habitación tenía que constituir un espacio constantemente ocupado durante ocho días, sucediéndose los durmientes a intervalos regulares (…)Algunos se cruzaron(...) un juego de cama limpio estaba a su disposición (...) no trataba de saber, de encuestar, sino de establecer un contacto neutro y distante. Yo tomaba fotos todas las horas. Observaba a mis invitados durmiendo."

Este es un trabajo interesante, donde la identitas juega un papel decisivo en el sentido tautológico, esa seducción por tener en su cama "gente que no conocía" para fotografiarlas, para adentrarse en la psiquis de los invitados, sin ninguna connotación artística subyacente. En la obra Rape de Ono, aborda a una mujer sin decir una palabra, el papel más importante lo lleva la cámara que logra en la mujer la expansión de todos sus sentimientos y humores, a diferencia de Calle, Ono es, por decorlo de algún modo, menos sutil.

También se hace necesario mencionar el carácter reflexivo de la obra de Ono y Calle, donde cada una de sus representaciones es producto de un estudio del objeto hasta llegar a mezclarse con el producto de esa reflexión condensado en su obra. Van Lier nos expresa a este respecto que:

"La reflexión ha desmontado al hombre y lo ha despojado de sus últimas vanidades; ha desmontado a la naturaleza y ha arrojado fuera de ella a los últimos dioses falsos. Y no han quedado frente a frente más que la libertad humana por una parte, una libertad de la que el hombre es aterradoramente responsable, y por otra parte la naturaleza, esfinge acurrucada sobre el enigma que sería menester arrebatarle. Jamás la condición ha sido percibida en una desnudez semejante. Y el hombre se ha puesto a interrogar a los dos términos de esa trágica confrontación, volviéndose ya hacia el mundo, ya hacia sí mismo, a descubrirle un sentido. El arte de hoy en día registra estos dos movimientos y en sus mejores representaciones alcaza un carácter de patética búsqueda."

Y es esa búsqueda la que vemos reflejada en estas obras, un afán de perseguir al otro, y me atrevo a decir que no solo a buscarlo por ser el otro,sino como una importante afirmación de uno, es decir, yo existo gracias al otro que me inventa, si no está el otro, no soy, hay una necesidad de establecer un contacto cercano y distante a la vez; más allá de eso, la implicación con el objeto perseguido fuente de nuevas experiencias. Observan pertinaces la costumbre del otro, hacen de lo cotidiano una historia, una ilación de acontecimientos casi fetichistas. En Suite Vénitienne, de Calle, 1980, persigue a un hombre hasta Venecia durante dos semanas para fotografiarle y afirma Paula González Alguacil que: "la artista aparece aquí como una amante traicionada que persigue a su hombre para reconstruir sus sentimientos por una persona que sabe que no volverá a tener consigo." Aun cuando en su vida real se dejase llevar por el azar, no aceptaba las circunstancias, como cuando consiguió cartas de Greg Shepard dirigidas a otra mujer, tachaba el nombre de ella y escribía el suyo.

Después de todo lo expuesto anteriormente, podemos deducir que en la obra de Sophie Calle y Yoko Ono lo premeditado es lo que muestran de su vida pues exhiben lo que quieren y lo espontáneo es la actitud de las otras personas y el azar. En este juego entre lo que escogen mostrar al espectador y lo espontáneo de las acciones, confiere al arte conceptual un carácter auténtico y una perspectiva personal.

Guaruras en acción…

ACCIÓN I

Se seleccionarán 10 miembros del cuerpo de protección privada, mejor conocidos como guaruras. A cada uno de ellos se le encomendará la misión de seguir al otro; es decir, el guarura 1 seguirá al 2 y así sucesivamente hasta llegar al guarura número 10 quien seguirá al 1.

De esta forma, se pretende aludir al absurdo en un sistema de circuito circular sinfín mediante el cual podremos observar las acciones y reacciones de cada uno de los procuradores de la seguridad privada al saberse seguidos y observados siendo víctimas de una víctima de una víctima … o, al descubrir que la persona que ellos vigilan y protegen es, a su vez, el protector de otra persona que es protector de otra, la cual, a su vez, es protectora de otra …
Cada uno de los miembros elegidos desconocerá las actividades previas o consecuentes de la persona a la que deben seguir, vigilar y proteger. En este sentido, deberán crear un detallado registro fotográfico y escrito de cada una de las actividades que va realizando la persona.
No se espera que dicha acción dure por más de 10 horas, puesto que se pretende que, por ejemplo, el GUARURA 10 descubra que su “protegido” es también un guarura que a su vez está siguiendo a alguien más y así consecutivamente.
Esta acción, además de aludir al absurdo de un sistema de “protección” y “seguridad”, alude también al absurdo del sistema-arte mediante un efecto de espejo en el que se refleja el infinito. El infinito de un sistema que se va comiendo a sí mismo y que no sale de un círculo vicioso que únicamente se va ampliando de forma cuasi-logarítmica. El círculo del arte es un circuito cerrado que se convierte en auto-caníbal, ouroboros que limita o condiciona la expresión.

Yoshua Okon, Shoot, 2004

ACCIÓN II

En la segunda acción, también se elegirá a un cuerpo de seguridad privada (mínimo 50 miembros) para encomendarles la siguiente misión:

4 de ellos se asentarán en el Museo Soumaya custodiando la obra “El día y la noche” de Rufino Tamayo que forma parte de la colección permanente. Estos 4 guaruras impedirán que los visitantes se aproximen a menos de 2 metros de distancia de la obra intimidándolos y amenazándolos con sus armas si no siguen sus órdenes.

Mientras tanto, los otros 56 miembros del grupo protegerán una “procesión” de obras que saldrá desde la sala de “Antiguos maestros europeos y novohispanos” del museo rodeando toda la Plaza Loreto, paseando por las distintas secciones e inclusive por el estacionamiento. También sería conveniente que estas obras entraran a los distintos locales.
Las personas no podrán acercarse a las obras, ni siquiera tendrán una visión completa de ellas, puesto que los miembros del equipo de seguridad se encargarán de resguardarlas con gran celo. Sin embargo, los visitantes sí tendrán conocimiento de lo que está sucediendo ya que una persona del museo se encargará de dirigir la “procesión” anunciando, a forma de letanía, las obras que están saliendo del museo, así como sus autores y fichas técnicas completas.

Con esta acción se pretende poner de manifiesto el estatus de sacralidad al que han sido elevadas las obras de arte. Se seleccionó la sección de “Antiguos maestros” por el simbolismo intrínseco que contiene; es decir, la temática de las obras y la convergencia de artistas tanto mexicanos como europeos en una especie de comunión ritual. Por otra parte, el término mismo de “procesión” nos remite directamente a un acto religioso, de fe, en el que se va venerando al santo, a la Virgen o Cristo; de la misma forma, el arte y el museo se han convertido en elementos de una profunda devoción; objetos inalcanzables a los que únicamente nos podemos aproximar a través de la oración y la introspección.
En conclusión, la intención es, por una parte, poner de manifiesto el religiosismo que se la adjudicado al arte y, por otra, la distancia que el museo ha impuesto entre una obra y el espectador, el cual se siente casi amenazado y terriblemente intimidado cuando sobrepasa las líneas que marcan la distancia a la que deben “contemplar” el objeto artístico.

Miguel Calderón, Attack,

Yoshua Okon con la obra Poli IV

Haacke y Buren: el arte como herramienta social

Hacer que los artistas hablen sobre el cuestionamiento de la relación entre artista, institución, obra y público y poner sobre la mesa estos aspectos sin dejar de mostrarlos y, por lo tanto, representarlos en el espacio físico de un museo o un centro de arte. Si partimos de la idea de que el arte contemporáneo, con sus numerosas aportaciones y confluencias con materias sociales como la política, la sociología, la antropología o los medios de comunicación es el vehículo idóneo para entender mejor la sociedad contemporánea, ¿Dónde están esos artistas? Pese a que muchos podrían decir que no existen, y que el arte contemporáneo es realizable por cualquier persona, afortunadamente existen artistas comprometidos con una ideología dispuestos a denunciar, por la vía del arte, eventos relacionados con el abuso del poder. Tomar al arte como herramienta necesaria tanto en la estética como en la denuncia.
Daniel Buren y Hans Haacke dedican su arte a reflexionar sobre todos los agentes que intervienen en el proceso de creación, exposición y especulación artísticas, los artistas realizan desde instalaciones hasta archivos fotográficos, en el que la autoría no tiene ningún valor, sino lo que puede comunicar la obra y generar en el espectador.
Buren y Haacke ponen en cuestión la labor del artista, su papel en el entramado artístico y social, y sus relaciones con las instituciones culturales. La cuestión de la institucionalización del arte fue problemática central del arte desde los setenta, tanto como la asunción de determinadas posiciones políticas. En el caso de Buren, proyectos como Inside (Centre of Guggenheim) de 1971 o Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, a Real-Time Social System, as of May 1, 1971 en el caso de Hans Haacke, junto a otras muchas obras de esos años, demostraron el reto que suponía la concepción radical de que la información podía ser arte, así como la capacidad que todavía podía ofrecer el arte para desenmascarar sus vínculos con el poder, trabajando desde las tripas de la propia institución.

Desde entonces, siguiendo la estela del dadaísmo, numerosos artistas han tratado de producir obras indigestas para un estomago acostumbrado a asimilarlo todo. La cuestión es si se ha conseguido invertir una situación que se asienta en la definición misma de arte moderno, o si, como apuntaría Danto, de lo que se trata es del fin del arte, y de trabajar bajo otros parámetros que se llamarán arte o no.

“La idea de modernidad –señala Gablik– ha agotado su período de duración. Su legado nos exige que miremos ateniéndonos a su propósito y no a su estilo, si queremos lograr que la concepción personal se transforme de nuevo en responsabilidad social.
¿Ha fracasado la modernidad? Puede que no podamos responder a esta pregunta mientras no rectifiquemos los parámetros con los que valoramos no sólo la felicidad y la desdicha, sino también el éxito y el fracaso”.

On Kawara y Stanley Brouwn: Artífices del tiempo y el espacio

Recorrer distancias o el movimiento de un lugar a otro, son parte de las actividades humanas cotidianas más esenciales. Desde 1960 la obra de Stanley Brouwn se ha concentrado en esta actividad.
Brouwn usa sus propias unidades subjetivas de medida (el pie-sb, el codo-sb y el paso-sb) y las contrapone al sistema métrico adoptado universalmente o a otras unidades locales de medida, a menudo obsoletas. Al principio Brouwn anotaba esas distancias mediante segmentos de línea en un papel, o mediante texto y cifras en fichas que guardaba en ficheros o en carpetas.
Desde principios de los años ochenta ha utilizado láminas o tiras de aluminio, además de volúmenes de metal o madera, él considera estas formas bidimensionales y tridimensionales como instrumentos de medida. Con dichas unidades de medida retrata personas, edificios, espacios, paredes y suelos, entre otros.

En su obra, la forma y el material dependen del concepto. Para su exposición walking through cosmic rays, en el Städtisches Museum in Mönchengladbach, Brouwn pidió que el museo retirase todas las obras de arte y dejase los espacios vacíos, de tal forma que la gente pudiera experimentar la sensación de caminar entre rayos cósmicos. En otra de sus exposiciones, retrató las salas y las paredes anotando las medidas en fichas, en tanto que los espacios permanecían vacíos.
En otras obras, Brouwn mide edificios que ya existen y anota su tamaño en un papel, o se enfrenta a un espacio real con una unidad concreta de medida. También se pueden ver maquetas arquitectónicas de edificios aún pendientes de construcción, que están basados en el pie-sb, el codo-sb y el paso-sb.

En la serie this way brouwn, pregunta a los transeúntes cómo se va desde a hasta b; sus notas en un papel precisan las indicaciones. A veces las indicaciones son solo verbales y el papel se queda en blanco. Luego estampa this way brouwn en las hojas de papel. Del mismo período son las obras con pisadas sobre hojas de papel. Mientras camina, Brouwn suelta hojas de papel, que caen revoloteando a la calzada o la calle. Luego vuelve a recoger las hojas de papel que llevan la marca de las pisadas de los transeúntes que se dirigen desde a hasta b. al mismo tiempo también hace sugerencias para recorrer distancias, como con la obra de 1962 una caminata por recorrer sobre un césped en la línea exacta a-b; todos los días durante todo un año.
A principios de los años setenta, Brouwn fue a Marruecos y Argelia pasando por Bélgica, Francia y España. Todos los días anotaba cuidadosamente el número de pasos que daba en cada país. el resultado es la obra del 18 de marzo al 18 de abril de 1971 yo conté cada día el total de mis pasos con un contador manual, que comprende un inventario de sus pasos, anotado en fichas. este proyecto es el primero de una serie de obras en las que Brouwn anota las distancias recorridas durante un período determinado en un determinado país o ciudad. el número total de pasos en una serie de países queda registrado en fichas. junto a estas obras, en las que, de hecho, Brouwn anota las distancias recorridas; también hay otras en las que construye y analiza distancias. Por ejemplo, las obras en las que describe la distancia de 1 metro en relación con distancias que van de 1 km a 1 mm.

Las distancias imaginarias entre Brouwn y una persona o un punto determinados en un momento determinado constituyen el material de una serie de obras más recientes. se trata de líneas o triángulos imaginarios que varían de longitud a cada segundo, según la posición de la persona en cuestión. En otras obras contrapone lugares existentes con espacios imaginarios.
Brouwn no publica fotografías de su obra, así como tampoco información biográfica ni bibliográfica. No concede entrevistas. Esa información le resta valor a la propia obra: es solo paja, afirma, la propia obra ofrece la entrevista, escribe la biografía. Brouwn ha mantenido esta actitud desde el principio y constituye para él parte de su obra es esencial, dice:

Las distancias nunca habían estado tan desprovistas de sentido como ahora. Cada vez hay más personas que efectúan vuelos de larga distancia varias veces al año. Cada día se ve más debilitada la validez del concepto de distancia. En mi obra las distancias se revitalizan. Recuperan sentido

Por otro lado, pero por la misma línea, en un momento en el que el arte comienza a penetrar en el terreno del arte conceptual más allá de la pintura y donde ya no es necesario para los artistas producir una obra física de arte, puesto que el concepto constituye un fin en sí mismo, el arte de On Kawara llevaría esta idea hasta el extremo de que sus obras documentan un hecho tan simple como su propia presencia y existencia en el tiempo. Ciertamente la obra de Kawara es una documentación de su vida asociada a la noción del tiempo; un registro fiel, obstinado y riguroso de sus actividades cotidianas a través de las diversas estrategias que emplea para generar el material biográfico que posteriormente es empleado como arte. El trabajo de On Kawara no puede ser considerado únicamente como una representación y una conceptualización del tiempo y el espacio a partir de la utilización del lenguaje y los signos. Su obra hace referencia al movimiento, al desplazamiento, pero también a la anulación de la diferencia entre aquello que se ve y aquello que se lee.

Las series autobiográficas de Kawara consisten en una documentación de su vida plasmando en sus obras de arte sus gestos y sus pensamientos más cotidianos y banales. Durante un tiempo el artista en su obra I Went elaboró mapas donde trazaba y recogía sus paseos diarios y viajes en taxi. La obra es prueba de, no sólo su existencia en el tiempo, sino la de la historia social y eso es más que suficiente ya que la austera presencia y el ego suprimido de Kawara tiene la capacidad de mostrarnos que estamos vivos al evidenciar por sí misma el paso del tiempo. El artista Kawara se desmaterializa en su obra para convertirse en lo que él llama pura conciencia lo que hace que su obra sea a primera vista tan impersonal. Su obra sirve como vehículo para la meditación ontológica acerca de la temporalidad y la duración como experiencias subjetivas del momento presente.
La obra de Kawara logra aportar relevancia a la rutina de la vida que puede parecer insignificante generando el mismo tipo de preguntas, demostrando que el arte trasciende al mercado, a las modas y a las cambiantes especificaciones academicistas, para generar un espacio de reflexión sobre nuestra propia existencia en el tiempo y el espacio.

En ambos casos el tiempo, las distancias que se orientan en una dirección, o las distancias imaginarias que carecer de dirección y el ser, liga lo temporal con lo geográfico y lo personal, por que ambos proponen que la conciencia de la relatividad de una fecha, de un espacio, de un tiempo determinado sólo puede venir dada por un acontecimiento preciso de la vida personal, de un entorno cercano o de un contexto entendido en sentido más amplio como territorio, ciudad o país.

Ciudad Genérica de Rem Koolhaas

“La Ciudad Genérica es todo lo que quedad de lo que solía ser ciudad. La Ciudad Genérica es la post-ciudad que se está preparando en el emplazamiento de la ex-ciudad”

Rem Koolhaas

Si repasamos la amplia bibliografía publicada por Rem Koolhaas, es fácil entender por qué el arquitecto holandés se ha convertido en una de la figuras más destacadas del panorama cultural contemporáneo -su trabajo ha traspasado los límites de la pura disciplina arquitectónica. Libros como el seminal Delirio de Nueva York, la compilación de proyectos de OMA recogida en S, M, L, XL; su participación en Mutaciones, la revista Wire u otras publicaciones periféricas como en la serie Conversaciones con estudiantes, se han convertido en referencias básicas para comprender los fenómenos que configuran la realidad urbana (metropolitana) actual y, por ende, los procesos que rigen el devenir del mundo contemporáneo. Y no es por casualidad: en sus escritos, Rem Koolhaas ha mostrado una claridad a la hora de identificar los “problemas” que han ido surgiendo en la ciudad a raíz de su instauración en la post-modernidad. Estudios que entienden la ciudad como un fenómeno global, un escaparate de sucesos que se repiten con acuciante similitud en todo el mundo. Se trata, en definitiva, de una visión periférica compartida, referida e influenciada por los grandes analistas finiseculares.

A lo largo de este Blog, el tema de la ciudad es el más importante, pero también ha pasado a ser uno de los temas de investigación más efervescentes ampliando su campo hacia disciplinas que hasta el momento apenas se habían pronunciado. Filósofos, antropólogos o sociólogos han desbancado a los historiadores del arte, la arquitectura y el urbanismo, por no decir arquitectos, quienes tradicionalmente eran los únicos profesionales con potestad para tratar estas cuestiones.

La ciudad genérica junto a Espacio basura del mismo autor, se han convertido en dos textos fundamentales para la crítica urbanística del nuevo milenio. En él, Rem Koolhaas realiza una descripción pormenorizada de un nuevo territorio urbano consecuencia de la explosión demográfica producida a lo largo del siglo pasado. Estas circunstancias han propiciado un crecimiento exponencial de las concentraciones urbanas así como la aparición nuevos fenómenos que han transformado por completo la urbe y las relaciones entre sus habitantes. De las consecuencias de esta transformación y de los nuevos territorios que éstas han conformado es de lo que trata el libro.

A través de esos epígrafes el arquitecto holandés describe el fenómeno de la explosión urbanística que ya ha tomado escala mundial. Una suerte infección cuyo origen se remonta a los suburbs norteamericanos y que encuentra en el Asia su más acuciante proyección. Un proceso de homogeneización anodino que se ha insertado hasta el tuétano en la conciencia de los ciudadanos, quienes exasperadamente buscan la evasión en ese terreno baldío que se llama periferia. Las gated communities y las edge cities no son más que derivaciones, mutaciones de este virus que asola con el carácter de las ciudades y que genera efectos que ya han sido analizados en este blog por diversos autores.

No obstante, la ciudad genérica se presenta ante los arquitectos como un páramo de oportunidades, no como el Apocalipsis urbano. Es una realidad que requiere de nuevas herramientas y mecanismos para actuar en ella, un nuevo comienzo sobre el que conviene actuar de inmediato.

Arte de sitio específico

En los últimos años, el concepto de espacio público ha sido objeto de múltiples estudios y reconsideraciones. Desde diferentes perspectivas, su estatuto se ha vuelto problemático, principalmente en relación a la concepción moderna para la cual dicho espacio es sólo un escenario de la vida social.

Las teorías contemporáneas, en cambio, prefieren referirse al espacio público como un ámbito de construcción social, un terreno donde se negocian roles, identidades y relaciones de poder, el producto de la acción, la interacción y la competición entre los diferentes agentes que lo habitan. De esta forma, el espacio público ha dejado de poseer una identidad positiva para transformarse en el terreno de significaciones en constante transformación.

Las diversas representaciones que surgen de esas negociaciones no conviven, sin embargo, en igualdad de condiciones. En su análisis sobre la ciudad –un caso particular de espacio público– Martha Rosler señala: “La ciudad, cualquier ciudad, es un conjunto de relaciones a la vez que una concentración de edificios: es un lugar geopolítico. Más que una simple intersección de representaciones en conflicto, la ciudad está compuesta de múltiples realidades que raramente se cruzan y que cuentan desigualmente en los modos en que la sociedad se representa a si misma”.
Así como el espacio público cobra un nuevo sentido en las teorías recientes, también lo ha hecho el arte que se produce en ese terreno. En Public Art and Urban Identities, Miwon Kwon recoge la progresión del arte público en los Estados Unidos, reseñándola en tres estadios prácticamente sucesivos:

1.- El arte en los espacios públicos: típicamente, una escultura modernista abstracta colocada en un espacio exterior, con el objeto de “decorar” o “enriquecer” un área urbana, generalmente plazas o edificios públicos o corporativos.
2.- El arte como espacio público: obras menos orientadas hacia el objeto y con una mayor conciencia del lugar donde serán emplazadas, que generalmente tienen en cuenta el contexto urbano, la arquitectura o el diseño de los alrededores.
3.- El nuevo género de arte público: programas temporarios en los que los artistas trabajan con la gente del lugar, principalmente con los sectores marginales, focalizándose en cuestiones sociales o de identidad local o grupal.
A pesar de las limitaciones que incluso la propia autora ha señalado en esta clasificación, las transformaciones generales en las relaciones entre arte y espacio público aquí reseñadas permiten poner de manifiesto algunas de las claves que aún se pueden percibir en el trabajo de muchos artistas que eligen el espacio público como ámbito para su producción: la tendencia a evi-tar las instalaciones permanentes en virtud de intervenciones temporales y efímeras, el reemplazo del objeto artístico por la estimulación de los eventos y procesos, el abandono de la autonomía artística y de la figura del creador individual por las acciones en grupos y las colaboraciones participativas, el desplazamiento de las cuestiones estéticas hacia las políticas y sociales

Entre las diversas manifestaciones artísticas que han alcanzado el espacio público en los últimos años, la intervención urbana con afiches ha sido una de las más frecuentadas. Conjugando expresión, comunicación e información, artistas y colectivos de trabajo interpelan al transeúnte con imágenes enigmáticas, textos provocadores o propuestas participativas, transformando el entorno urbano en un nuevo ámbito para la reflexión estética, política o social.

En la ciudad, el afiche artístico convive con la oferta comercial, la propaganda política y la cotidianidad de los ciudadanos. En este contexto, sus relaciones con el entorno pueden inducir lecturas ambiguas, dudosas e incluso opuestas al sentido original: este es sólo uno de los riesgos que enfrenta la “obra” al desentenderse de las redes de contención institucionales de las "bellas artes". Sin embargo, ese riesgo puede tornarse en una de sus cualidades más contundentes, al poner de manifiesto la potencia de la que todavía es capaz la producción artística cuando se reinserta en los dominios de la vida cotidiana.

Al apropiarse de la ciudad, de sus calles y paseos comunes, los artistas no sólo ingresan discursivamente en la esfera pública, sino que, al mismo tiempo, cuestionan uno de los regímenes fundamentales de la moral burguesa. Como ha afirmado Abbie Hoffman, “para la clase media la calle es un símbolo extremadamente importante, porque todo tu proceso de experimentación de la cultura está encauzado a mantenerte fuera de la calle”. De igual forma, la reactivación del espacio público se opone a la coacción política contemporánea, sustentada en una elaborada tecnología de la privacidad hogareña, que induce el abandono de las áreas urbanas hacia sitios supuestamente más seguros e indudablemente más vigilados, desactivando las posibilidades de construcción y manifestación personal y social de los ciudadanos.

La expresión artística correctamente articulada en el espacio público puede, en opinión de Suzanne Lacy, poseer una relevancia social efectiva. Según la artista, la experiencia pública se ha manipulado al servicio de la publicidad y la política, por ejemplo, donde los productos y los políticos se vinculan al deseo y a los valores. La experiencia privada ha perdido su autenticidad en el ámbito público y quizás el arte, al menos simbólicamente, puede devolverla. En su opinión, la empatía es un servicio que los artistas todavía pueden ofrecer al mundo.

Por sus propias características, los afiches realizados por artistas y destinados al espacio público no encuentran una adecuada repercusión en el circuito del arte. Sin embargo, tampoco se encuentran completamente desvinculados de éste, ya que los propios artistas que los producen se definen, en la mayoría de los casos, en función de ese circuito. Lo más adecuado es, en realidad, considerar a esta práctica como una actividad fronteriza entre el mundo del arte y el entorno social. Justamente en ese tránsito se encuentra, probablemente, uno de sus fundamentos. “Si todo espacio se define por las prácticas que le «dan lugar», ello es más aún así en las fronteras, pues estas sólo existen por su relación con el acto de cruzar... En cierto modo, la frontera necesita ser cruzada para hacerse real; sino, sólo sería una construcción discursiva”.

Como sucede con el afiche publicitario o político, el artístico funda su productividad semántica en la interpretación. Y como asegura Nina Felshin, “la participación a través de la interpretación –una estrategia clave en el arte activista– es imposible si la ambigüedad y la oscuridad, a pesar de lo provocativa que se sea una obra, estética e intelectualmente, impiden su comprensión”.
Esto no significa que el afiche artístico sólo puede hacer uso del lenguaje corriente y no aspirar más que a la completa comprensión verbal. Si fuera así, pocas cosas lo diferenciarían de la publicidad comercial, que incluso puede llegar a ser más atrayente desde un punto de vista puramente estético. En realidad, los afiches realizados por artistas suelen ser más enigmáticos o mucho menos directos que sus pares comerciales. Pero además existen dos elementos que normalmente los diferencian. Por un lado, el afiche artístico no promociona ninguna “mercancía”; en todo caso, llama a la conciencia sobre alguna situación, hecho o acontecimiento. Por otra parte, en general, se presenta como un enunciado anónimo, potenciando al extremo la situación de su recepción pública.

Proyecto para exposición: Casa ideal

Casa ideal que será realizada en el museo Rufino Tamayo, propone la visión de cuatro artistas acerca de las casas ideales, formas que faciliten la estancia en los hogares o críticas al capitalismo. Los artistas invitados serán: Dan Graham con la obra Video Projection Outside Home de 1978, El Grupo Atelier van Lieshout con la obra AVL Ville, Kader Attia con la obra Azoteas y Jeanne van Heeswijk con la obra Room with a view.

La obra de Dan Graham es heterogénea y asume varias formas; en ella coexisten la instalación, el video, la música, el proyecto, el texto, el dibujo, la maqueta. La arquitectura es el hilo conductor de un cuerpo de trabajo que comenzó hace más de treinta años y que ha sido fundamental en la práctica artística de la contemporaneidad. La casa suburbana –y sus orígenes utópicos en la Ciudad Jardín de Ebenezer Howard en la Inglaterra industrial de finales del siglo diecinueve—es un tema recurrente en la obra de Graham. Ha sido analizada exhaustivamente en obras como la paradigmática Homes for América de 1966. La idea detrás del proyecto Video Projection Outside Home, 1978, será la de reinsertar en la esfera pública algo tan público como la programación televisiva. Pero con la particularidad de que en este caso se trata de seleccionar aquella que se ve en la intimidad de la casa y hacerla pública colocando en la calle una pantalla gigante que mostrara simultáneamente lo que los habitantes de la casa estén viendo en su televisión. Este proyecto integra varios de los ejes temáticos de la obra de Graham como el carácter utópico de la vivienda suburbana; la integración de los espacios públicos y privados; y la cultura vernácula norteamericana como subproducto de un "utopismo adánico" que animó la colonización de gran parte del país en el siglo diecinueve.

El Grupo Atelier van Lieshout, radicado en Rotterdam, Holanda, es conocido por sus diseños de "habitáculos" que parecen híbridos entre caravanas, unidades de oficina, cámaras de privación sensorial y baños portátiles. Más que articular un discurso sobre la hibridez arquitectónica, la obra de Atelier van Lieshout se ocupa de crear esculturas contenedoras que hacen referencia a la cultura popular y a la tradición del arte moderno. Son "esculturas" que nos remiten a las utopías fallidas del futurismo y el modernismo a través del uso de los materiales y las formas empleadas . Las referencias a la cultura popular, en especial aquellas cinematográficas, llevan la obra de Atelier van Lieshout más allá de la parodia hacia un discurso sobre las raíces culturales de las relaciones entre arte y economía. Para esta exposición, la propuesta de Atelier van Lieshout es una casa perteneciente a un desarrollo habitacional que el grupo está realizando en la actualidad en las afueras de Rotterdam. Esta "comuna", llamada AVL Ville, es una especie de "cuartel para terroristas", una suerte de set cinematográfico para ser habitado por los integrantes del Atelier. Rotterdam es una ciudad con una tradición importante en cuanto a vivienda de interés social. Van Lieshout retoma esta tradición y la convierte en una propuesta escultórica, más que arquitectónica, que ironiza sobre las aspiraciones utópicas de la modernidad.

La obra de Kader Attia basa sus experiencias como descendiente de inmigrantes llevando al espectador hacía el nudo de las problemáticas actuales, en el que se entremezclan los recurzos energéticos, la religión y los conflictos geopolíticos los cuales han derivado en cuestionamientos sobre la identidad, pertenencia y exilio. La pieza que se expondrá invita al espectador a caminar sobre ella, lo que lo convierte en un elemento activo imprescindible en la percepción de la obra.

Jeanne van Heeswijk propone al museo como el espacio doméstico ideal. Su instalación Room With a View es una especie de habitación itinerante que ella instala en sus exposiciones y le da una función dependiendo de las especificidades del lugar. Dada la naturaleza "proyectiva" de la exposición Casa Ideal, van Heeswijk propuso exhibir el registro de sus experiencias pasadas con Room With a View. Un video titulado Real Stories From Life acompaña a este material documental, que constituye una obra en sí. De alguna manera constituye otro registro, esta vez animado y a través de la experiencia, de la instalación. La obra de Heeswijk se inscribe dentro una práctica artística que toma al museo como sitio no sólo expositivo sino también como espacio social y dinámico, generador de cambio social; una idea que viene de las vanguardias utópicas y está muy cercana a la propuesta del Demonstrationsräume de El Lissitzky y las posteriores teorías de Alexander Dorner.